顶级制作人的人声制作经验

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人声录制需要精细的处理和机智的判断,是一件需要经验和专业知识的事,也是其他录音对象无法比拟的。想想看:吉他手可能会到弹错一两个音,鼓手可能会打错一段加花,但这些是容易修复的。而歌手不同,他会受到录音时间的制约,承受“可能唱不好”的心理负担。 

在这里,三位顶级工程师/制作人将给你分享一些技巧,帮助你更好地完成这个音频技术和人际交往能力相结合的综合艺术。你需要利用这些技巧来引导歌手,获得充满灵感的卓越声音。

先认识制作人

Louis Bell

最近,Bell为Post Malone制作了轰动一时的作品《Beerbongs & Bentleys》,取得了不错的成绩。除此之外,他还为Cardi B、Camila Cabello、DJ Snake等艺人制作了许多热门歌曲。

Haydn Bendall

Bendall的履历可以说是前所未有的丰富。1973年,他的事业起步于Abbey Road录音室,合作过数百位知名艺人,包括Kate Bush、Paul McCartney、Alan Parsons、XTC、Peter Gabriel等。 他还完成了大量的配乐工作,最著名的作品是1987年获得格莱美奖的《末代皇帝》。

Justin Meldal-Johnsen

也许,最著名的案例是他与Beck的合作。Meldal-Johnsen合作过的艺人包括M83、Jimmy Eat World、Tegan与Sara、Paramore以及后朋克乐队Moving Units等。

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工程前的准备

Haydn Bendall:给歌手录音是非常隐私的事情。录音室就像是忏悔室。艺术家在你面前基本上是赤裸的,没有任何遮掩。为了让录音环境变得舒适,你必须跟歌手建立真正的信任。 

你需要有意识地感知周围的每一个人,保持敏锐的嗅觉 – 不仅是对歌手,还有其他的音乐人和工作人员。你必须眼观六路,耳听八方。 

Justin Meldal-Johnsen:当你开始接手专辑项目时,你得“学习”歌手是怎么看待唱歌这件事的:这是只他的工作吗?对他们来说,这是一件愉快、自然的事,还是一件让人焦虑,充满不安全感的事?我会在歌手进入录音棚之前,优化他们对专辑的态度。 

我希望歌手在走进录音棚之前,把他们要做的所有事情理清楚。 这样,他们便可以更少地关注过程,多寻找乐趣,享受演唱,想象自己是歌曲故事里的人物。我的工作就是让他们能够快速达到这种状态。 

Louis Bell:了解歌曲的调以及最佳的演唱位置,是前期制作中一个极为重要的部分,但没有得到足够的重视。每个人都有自己偏好的创作或演奏曲调,这可能成为限制你音乐创作的阻碍。如果你只能用吉他或钢琴演奏某几个调,那么,你的声音品质将很大程度上被这个曲调影响。对声音或歌曲来说,这可能不是一件好事。

对制作人而言,与歌手建立相互的信任是录到好声音的基础。

话筒的配置

HB:一些歌手想用指定的话筒录音:也许是Neumann U67或者Telefunken 251。但我通常建议你多准备一些可能适合他们声音的话筒。我会把它们都配置好,进行测试,再挑选一支。你需要让他们放心,告诉他们这是一项能够快速完成的工作。在他们对着每支话筒演唱后,也许只用几秒钟,你就能做出决定。然后,歌手也会参与到声音的选择中。这样一来,他们就不是被拖进录音室,被安排说,“就用这个唱”了。他们也是团队的一分子,这样做对声音和心理都有帮助。 

JMJ:和歌手合作的整个过程都要关注生理和心理的舒适度。话筒的配置,我会做以下选择:可以在控制室的沙发上,用一支手持话筒,也可以在隔音条件好,灯光略暗的录音间里,用一支真正经典的电子管话筒。 

还有一个Bono的经典技巧。在回放声音相对较大的控制室里,让歌手与音箱保持一定的距离,拿着Beta 58演唱。然后,将一支音箱反相,尽可能减少声音串入。说实话,我会尝试各种配置。我不担心声音的串入。当我用上压缩时,就可以把它切掉了。我给Hayley Williams(Paramore)录音时,她就坐在沙发上,拿着一支SM7。重要的是,如果这是让歌手感到放松并准备好演唱的必要条件,我不在意说一定要有完美的声学环境。

耳机里的混音

LB:如果能让歌手听到接近成品的声音,那会对他们的演唱产生巨大的影响。让他们相信自己能唱得很棒,这样,在每一次的演唱时,他们也会放得更开。我认为,如果采用“只听干声”的方式,那么歌手始终会担心自己的声音在最终作品中的样子。他们会经常问你,“这个问题能解决吗?”你必须向他们证明,最终作品会更好。这能使参与工程的每个人对作品最终的模样有更加清晰的认识,让他们知道,制作人/混音师并不是有意要瞒着你的。 

HB:有些歌手喜欢听到加工完美的声音,但我会尽可能避免这样。我觉得这样太危险了。许多人会要求在他们的耳机里加一点EMT 140 Plate混响或Galaxy Tape Echo延迟,所以,我会用上这些。也就是说,我更喜欢歌手在录音室里录下没有任何混响的声音。注意,如果歌手要求在通道链上加入一个混响,我也会配置好的。我会用相当多的均衡处理录音,但从不使用压缩或限制。

JMJ:每个人都不一样。Metric的Emily Haines希望她的声音尽可能干,在演唱时能有更好的表现力,更加暴露在外。其他人,比如M83的Anthony Gonzalez,给他华丽的大混响和延迟,工作会变得非常有效率 – 所以,你得准备好这些配置。我不想给任何人说教录音的规则,我认为那很无聊。我想让他们告诉我,怎样才能找到演唱的乐趣,让自己唱得更好。

关于峰值

JMJ:除非歌手的录音技巧足够好,或者演唱本身的动态比较少,否则,90%的时间里,我都会用上无痕的限制器,做大概3dB的增益衰减。另一个可以将峰值保持到最小的方法是让歌手站在离话筒两英尺、三英尺甚至四英尺的地方演唱,然后分别聆听。尤其是,当歌手演唱的爆发力很强时,你可以说,“试着后退一点”。你会发现,在两英尺处,声音听起来很棒。我会再给话筒加点增益,然后继续尝试。 

HB:如果你担心峰值,那就把话筒声音调小!这就是增益旋钮的作用。一旦在输入路径上做了压缩,你就永远无法撤回了。你可能会失去那个艺术家职业生涯中最伟大的演唱片段!如果歌手要求在他们的耳机里加入压缩,我会给他们一千个理由,告诉他们这是一个糟糕的主意。 

主要的理由是,我会告诉他们,如果不与压缩对抗,那么他们会唱得更自然。你最好让歌手关注演唱,而不是录音技术:鼓励他们在录音室中到处走动,寻找话筒的最佳拾音位置。

LB:我自己有点像压缩器。实际上,当歌手在录音室录音时,我会把左手放在音频接口上控制输入增益,调整它的波形;如果他们唱得很轻,那么我会调高输入,反之亦然。所以,这是一个很好的录音方法,声音通道链也能迅速建立起来。

当然,有时候他们会让我措手不及,当声音顶到峰值,如果不及时拉下来的话,就只能重新录制了。但在很大程度上,我能感觉到他们会怎么唱,特别是在已知旋律的情况下。我可以在录音时进行调整。我认为这有助于让最终作品表现得更加一致。

在与歌手合作时,创造一个舒适的声音环境 – 从物理空间到耳机混音 – 是至关重要的。

演唱指导

LB:通常,我会从非常基础的音乐想法开始,只有鼓和贝斯或者鼓和和弦进行 – 我会循环大约15分钟。拿Post Malone的Freestyle来说,在这15分钟内,我们会把整首歌的旋律和节奏大致弄出来。我有一支对讲话筒,我们可以来回交流想法,调整旋律。就好像是他站在冲浪板上,我通过耳机指导他怎么乘风破浪一样。第一次尝试和聆听,是非常重要的,因为你只有一次被音乐震撼的机会。歌手还在录音室里,在那个创作氛围中,你的作用就是给他们做出适当的调整。 

HB:我会深入地与歌手谈论乐段,音符长度,气口应该在哪里,哪个词需要强调。当我做工程师的时候,我会同时参与制作,有时候会发现一些很有情绪的歌词。人声的处理方式没有太大的不同。如果歌手本身也是词曲创作人的话,工作会更高效。因为他们会问你,歌词是否能匹配上旋律。当旋律和歌词之间缺少联系时,他们就会进行修改。 

JMJ:请记住,歌手可能会追随他们的缪斯女神,有些东西可能会变得非常好,有些东西可能再也不会得到了,你需要帮助歌手往那个正确的方向发展。所以你需要把你的技术上加入进来,但不要影响歌手,不要打断他们的Flow,尽可能占用更少的时间。 

当你在录制时,尤其是歌手状态正好时,千万不要让歌手对歌词背后的含义和意图进行细致的分解,这对歌手/作词人都是没有意义的。一旦歌词打印在纸张上,就不是深入分析的时候了。只要技术上足够熟练,那么,玻璃两面的沟通会让你们获得理想的结果。

信心减退

JMJ:如果我还需要多录一两次,那么我就需要读懂这个人的状态。我要么成为一个状态全开的啦啦队员,要么就用微妙的方式,悄无声息地鼓励他。歌手并不喜欢一个朝他们喊叫的人。你需要更多地关注人类行为的细微变化,而不是遵循一个固定的脚本。你必须尊重歌手的观点,根据歌曲的类型,决定是否进行深度的思考,也许歌手只是想随意地表达一下,“让我们直接唱吧!” 

HB:我不会让他们继续,如果他们的声音变得疲惫,我认为继续下去是毫无意义的。我会让他们放宽心,我认为这并不是懒惰;我们可以坚持录到凌晨3点,但我保证,我们什么也得不到。如果你现在休息,半个小时或是到明天,你的身心会得到完全的恢复,你的演唱会变得更好。 

重要的是,即使有些部分唱得不好,你还是能从中学到很多。你的演唱能取得更大的进步,你会更习惯录音室里的平衡,你会通过另一方式和这首歌取得连接。现在,工作室里的每个人都明白我们在追求什么了。这是一种平衡的艺术 – 对一些人来说,如果你使用了不恰当的语言,很可能会出现信心的危机。

 

录制过程

JMJ:你真的需要做详细的记录。我有一个电子表格,我会根据歌曲定制,用上不同的单元格。在顶部,我有1-10的数字编号。在左边,我有一行行的歌词,尽可能简洁地将歌曲的段落分开。这个表格可能长达四页,我会把它们打印出来,填入各种符号,比如最佳的唱段、需要调整的字句等。也许,我还会在某一行用星号进行特殊的标注。 

HB:我拿到歌词和音乐后,会先打印出来。我会仔细记下哪些部分唱得不错,哪些地方需要修复等。这不仅是给我看的;如果歌手知道你在纸上做了详尽准确的笔记,他们的信心也会得到很大的提升。你能拿着笔记去跟歌手交流,“我向你保证,你已经唱出我想要的了。” 然后说,“现在,让我们再多试几次,看看会不会更好。” 

记住,如果我们没有录到满意的唱段,决不要告诉他们,“我们已经录到想要的了”。 对我来说,制作人说的话里最伤人的一句可能是,“再像刚才那样给我唱一遍。” 如果我们已经录到不错的了,那这样做的意义何在?要重新唱一次必须有充分的理由,你需要跟歌手好好交流。

回放给歌手听

JMJ:如果歌手比较爱自我批评,那么我可能会在给他们回放前,把人声打磨得更漂亮一点。也许,我会花几分钟做一些聪明的效果设计,做一些动态控制,而不是像他们在耳机里听到的那样,只加一点混响。 

在熟悉歌手的过程中,我会观察他们听到自己声音时的反应。如果他们容易产生不安全感,那么对他们来说,最好不要让他们自己去想象一个好的混音听起来应该是什么样子的。你应该尽可能拿出完成度高达75%的作品给他们听。 

HB:为了保持连续性,我喜欢在汇整人声时保留大段的原始片段,而不是逐字编辑。但当然,如果我录到了一句很棒的唱段,但结尾的某个字听着有点不好,那么我还是会深入做一些手术式的编辑。我对修音很慎重,我很少使用Melodyne或Autotune这类的东西。 

我宁愿跟歌手在棚里花5个小时,录到我们想要的唱段,也不会用半个小时录音,却花5个小时调整Auto-Tune。它需要有明确的方向性。你可能会花上好几周的时间,调整人声的节奏和音准,但结果也许不会变好!你只会让一个糟糕的歌手唱得音准好点,节奏稳些罢了,没有任何的感情可言。 

LB:你必须相信你录制的主人声。你不想对它应用太多的欺骗技巧。如果你用了太多的EQ衰减或修饰效果,可能会丢失掉个性。 

最糟糕的情况就是歌手说,“让我把这个带回家听听。” 没有比这更糟糕的了。你真的别让歌手把粗混的版本带回家,听太多遍,因为他们这么做只是为了找出更多问题。他们肯定会这么做。不会有一个歌手花时间去挑错后,跑回来跟你说,“你知道吗?简直太完美了!”绝对不会。

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