2020年2月25日 星期二 19:40

Ableton Live:音频到MIDI的转化

深入研讨 软件应用 Ableton Live:音频到MIDI的转化

导语:如果你喜欢Live的“Slice to New MIDI Track(切片并创建新的MIDI轨道)”指令,那么你应该也会喜欢这项新的功能。有请 Martin Delaney为你讲解:Live的“Convert Audio to MIDI(转换音频为MIDI)”指令。

我们已经对这个主题做了一些探索,但因为它是Live 9中最有趣的新功能,所以我想回过头来再做一些探讨。这里谈论的“Convert to MIDI”指令,能够对一段音频进行分析并转化为含有(几乎)相同音符的MIDI片段。我们拥有三个选项——分别是将和声(和弦)、旋律(单音部分,比如贝斯或人声)和鼓(没听错,是鼓!)转化为MIDI。

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我说过,这是Live 9中独有的全新功能——如果你还在使用Live 8或其他更早的版本,可以尝试下载Live 9的试用版,这并不妨碍你使用之前的版本——当然,你同时也有机会尝试下Live 9中的其他新功能!除了基本的弯曲(Warp)功能外,Live对音频进行弯曲处理的方式可谓多种多样;比如“Slice to New MIDI Track”的功能。

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这是一项很适合采样节拍的功能——载入并修剪原始的节拍,然后右键点击,选择“Slice to New MIDI Track”,创建一条新的MIDI轨道。这时,会得到一条包含代表原始节拍中不同切片音符的片段。Live会自动载入一个Simpler采样乐器装置用来回放这些切片。因为在切片处理之后,我们可以替换这些切片,比如载入新的Kick,或对特定的切片应用不同的音频效果。这是一项久经考验的Live功能,也是我个人非常喜爱的。

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切片为 vs 转化为…

起初,你可能认为这跟“Convert to MIDI”是一样的,但其实并不相同——有相关性,但并不相同。“Slice …”指令是“不能说话的”;它将按照你指定的片段数量和选择的音符值进行切分。“Convert …”指令实际上会分析原始采样的内容,基于你选择的模式(比如Melody)计算音频内部的音高和时序。

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公平地讲, “Slice …”指令,主要是为鼓循环(Drum Loop)设计的,不过有时候也可以用做创造性和不同寻常的用法,比如切片和重新编排语音或噪声采样。“Convert …”指令更加通用,因为它有不同的模式。从字面上来讲,根据指令的不同名称,我们可以将它用于鼓、和声和旋律部分。每一项都非常好用,不需要用户做太多的控制——只需要看管用或不管用。

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喜欢探索的人会将这些指令应用到各种声音上——通常来讲,按照预置的描述可以很容易找到最合适的声音类型。不过,当你混用时,能得到一些很奇特的效果。当运行各个指令时,Live会载入默认的乐器声音。也就是说,你不用自己动手从浏览器中载入声音,便可以马上听到处理的效果。“Drum”默认为606 kit;“Melody”实际上会载入包含“Analog”合成器和“Electric Piano”以及Macro控制(预先分配好的合成器和钢琴的混合比例)的机架;选择“Harmony”选项会载入采样的“Grand Piano”预置。

【贴士】错误的操作有时候会带来好的结果:可以尝试对音频材料使用“错误的”转化指令。全部试试——一共只有三个!对不同的材料类型应用不同的转化模式可以获得一些不错的结果。

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问题是,默认选用的声音是一种通常情形,并不总能体现出最佳的效果。所以,准备好用上Hot-Swap按钮去定位或创建更好的声音吧!

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起作用了吗?

关于处理的效果,坊间有不同的争论。有些人将它与Celemony的Melodyne进行比较,

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但我认为这样比较不太公平,因为Melodyne是独立的专项产品,你得花钱购买;如果Melodyne在这项任务上还没有Live好,那么真的是太荒谬了!我认为没有100%的完美存在;当你通过YouTube观看那些影片时,想想选择放入Live进行转换所花的时间,就应该心里有数了。

“Convert …”指令更多是作为创造性,乐趣为主的工具,而不是严肃的转换帮手。你将声音放进去——完全无法想象出最终会获得什么!现在,我特别喜欢这些…能创造出无法预知结果的插件和应用程序。我用过一款软件,载入一张.jpg图片,就能根据你对某些参数的操作生成音频。我记得它也可以保存为MIDI文件——大概也是几年之前的事,记不太清楚了。我的观点是,任何能基于原始声音采样创造出不可预知结果的东西,都能算是好事,所以不要抱怨了。

【贴士】Melodyne:Celemony的Melodyne软件(www.celemony.com)可作为独立应用程序运行,或作为插件在Live之类的DAW中运行,同样具备了音频转化为MIDI的功能。不得不说,Melodyne能做出更加精准的转化。但这本身就是大家所期望的,因为Melodyne是特别专项的产品,也就是说,它专门关注某种类型的音频处理和修正,然而Live中的音频到MIDI转化功能只是成百上千功能中的一个。我这样说,就是怕你开始抱怨!

助一臂之力

如果想要获得更加干净的转化结果,你可以提前做一些处理,方便Live的转化(有人可能会认为这是一种欺骗手段,因为它意味着你要提前进行编辑,甚至可能要特别针对转化创建出新的声音)。清理音频能帮助到Live;如果你的采样太脏,或有太多的效果,精准度就会大打折扣。对于节拍,这样做也能帮助音频时序的紧凑——弯曲和量化,通常要确定,尽可能得干净。

另外,在我制作这个月的示例项目时,我给Bass轨道增加了合唱效果,然后用“冻结/展平”将效果嵌入到采样中,然后,我发现“Convert to …”指令不起作用了!虽然我有了一条新的轨道,但MIDI片段却是空的。我猜想,合唱效果的“粘性”让音高探测失去了作用。正如我之前提到过的,任何加有延迟效果的采样…都无法准确地被Live识别——最终会得到一条有音符很多的MIDI片段。

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转化野外录音文件时,我获得了许多乐趣;那些是没有任何旋律内容或重复的声音。做了十分钟的录音,尝试用三种模式分别进行转化,将声音分配给各个版本…在时间轴的某些位置,你可能会找到值得剥离出并保存的部分。将它转化成音频,进行弯曲,量化等处理,增加一些Live的MIDI效果装置。总之,按照你的想法去做。这些都是创造你自己独特声音的不错出发点。

【贴士】多个轨道:我用“音频到MIDI”的转化,创建了多个已有轨道的平行版本——我没有替换掉原来的音频部分,而是创建了同步播放的部分。如果你有较为“有机的”声源轨道,比如现场的人声,自然是最好。转化整个原始轨道,然后试着加入不同的乐器声音混在一起。试着给新轨道进行移调,这样就可以创造出和声部分。首先复制声源轨道,然后用节拍模式对峰值设置门限,然后应用转化!

平行轨道

你一定也尝试创建了我在“多个轨道”贴士中谈到的多个平行版本。不要删除原始的音频轨道,使用转化好的MIDI轨道来增加额外的质感。我也提到了使用节奏弯曲(Warp > Beat)模式。这里再讲解一些细节:复制原始的音频片段;将片段的弯曲模式更改为“Beats”,然后找到下方带有两个小箭头的方框。点击选框,选择顶部的选项:单箭头指向右边。

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我们在这里要做的,就是阻止Live填充节拍瞬态之间的空隙。看到橙色方框里的“100”了吗?播放你的片段,当它播放时,点击方框,按住往下拖动,降低方框里的值。

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你会在音频采样“门限”中听到瞬态,峰值会被保留,较小声的部分会消失。使用右键辅助菜单,冻结并展平轨道,你会在新的片段波形中看到“门限”作用的结果。

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接着,在新片段上运行“Convert to MIDI”指令,你将获得与原始片段完全不同的结果。你可能会喜欢它,也可能不会,这里就帮不到你了,不过掌握这项技能是很有帮助的!

随着示例项目的进展,人声片段有三个可以播放的元素——开头的语音,中间的“歌唱”部分,然后是结尾的和声版本。根据我的做法,你可以听到每种片段转化模式的不同结果。需要记住,较长或较复杂的原始声音可以被拆分成不同的片段,应用不同的转化模式。如有需要,随时可以使用“Consolidate(合并)”指令将这些部分接合起来。

【贴士】重复也会被展示出来:当你转化包含延迟效果的采样时会很有意思,因为重复会被当作是单独的音符。最终可能会获得非常“混乱”或“有趣”的结果。如果你的思维比较开放,就会发现“音频到MIDI”转化好用的地方。

让我们开始进行弯曲处理吧。“Convert to MIDI”指令是Live 9中一个不错的新功能。不过,别用错了方向——大部分的情况下,它们并不能给你精准或令人信服的转化结果,但如果喜欢实验,并且想制作自己的声音,它应该会相当适合你!

实战演练:将音频部分转化为MIDI

使用鼓、贝斯、合成器和人声的项目进行音频到MIDI的转化

  1. 打开我们的示例项目,右键点击名为“Beat”的片段。从出现的菜单中,选择“Convert Drums to MIDI”。你会看到一个快速进度条,然后会创建出新的轨道,带有一个MIDI片段。如果双击轨道头,你会看到载入的默认套鼓。
  2. 停止原始的片段,播放新的,听到的节拍很接近原始的鼓节拍。Live对原始部分进行了分析,因为我们暗示了“这是鼓的部分”,所以Live尽可能重制了多种打击元素——Kick,Snare等。当然,精确度要取决于声源的质量。
  3. 现在,我们拥有了一条可以尽情编辑的轨道,同时保留了原始的节拍。按照你的意愿,改变套鼓的声音,施加效果处理。接下来试试贝斯的部分,选择“Convert Melody to MIDI”——这是为单音乐器或人声部分做了优化的模式。
  4. 继续对人声和钢琴轨道做”音频到MIDI”的转化。使用“Convert Harmony to MIDI”对钢琴轨道的和弦进行处理,“Convert Melody to MIDI”对人声轨道做处理。我特意选择了效果不错的采样,这样我们可以清楚地了解到这项指令的效果,无需再做额外的编辑。不过,请看下面的屏幕…
  5. …你有同一个采样的不同版本,带有多种效果,比如混响和延迟。如果你按照第一次那样处理这些片段,你会获得非常不同的结果。这将处理的缺陷暴露出来了——任何太模糊的声音,或不在调上的声音,都会出现错误的转化。那些以时间为基础的效果会被解读为额外的音符。
Logic Loc
Logic Lochttp://www.logiclocmusic.com
乐极客创办人,独立音乐制作人,混音师。

Cubase:量化简介

当你在项目中录制MIDI轨道时,音符可能会时不时地失去节奏。你只能花时间调整这些音符,让它们回到网格上。

对话Yamaha高级副总裁Rick Young

也许你已经从网站广告、音乐商店,或有乐器贩售的地方获悉,今年是Yamaha公司成立的125周年纪念。我们找到了Yamaha美国总部的高级副总裁Rick Young,他与我们分享了这家世界最大乐器制造公司成立之初的逸闻趣事。他也谈到了近期的产品,比如世界一流的CFX三角钢琴,以及公司接下去20年的发展方向。 能讲讲Yamaha创始人和第一台簧风琴的故事吗? 当然。Torakusu Yamaha出生于1851年,是家里的第三个儿子。父亲Takanosuke Yamaha是德川幕府时代纪州地区的武士。实际就是今天的歌山县。他父亲主要从事天文和土地测量之类的工作。所以在Torakusu小的时候,家里面就有很多书籍和设备。随着他年纪渐长,对机械方面的事情就越来越感兴趣了。1868年左右,日本经历了一系列的现代化变革和恢复。这时的他来到了长崎县——那里是西方文化进入的主要区域。他对手表产生了兴趣,立志要成为手表维修员。于是,他便到那里去学习,与英国工程师一起工作。在几年的强化训练后,他产生了组建自己手表制造公司的想法。不幸地是,他没有足够的资金,于是又转移到了大阪。在那里,他掌握了医学设备的维修。 1884年,他搬到了滨松——这里是Yamaha公司现在的根据地——在滨松医院维修设备。1887年,滨松小学的一架簧风琴出现了故障。这架簧风琴是同年进口的,所以学校里根本没人知道如何维修。这不是一件小事——至少对他们来说,这是值得骄傲的资本——所以,得知有位擅长机械的年轻人,便立刻派人去找了来。他松开螺丝,发现里面仅有的两个弹簧已经损坏。在维修的同时,他画出了风琴的构造草图,他认为,“你瞧,我也许能自己造出来。”要知道,来自武士家族的人都有很高的爱国热情,想通过振兴民族企业来为祖国做贡献。 据说Yamaha先生扛着簧风琴翻山越岭… 大概在1886年左右,公共法令规定设立在各地区的小学要将歌唱作为选修课,所以他们需要购买负担得起的乐器为演唱进行伴奏。这时候,Yamaha在滨松制造了第一台风琴,为了获得批准,他不得不爬过富士山,沿着海岸线行走。他必须翻过一些高山才能到达东京,因为只有那里的官方机构能批准乐器在教育领域的使用。我相信他花了好几天才做完这件事。 在翻山越岭后,他的设计有没有获得官方的批准? 没有。第一版风琴并没有获得批准。主要的问题是它不能根据需要进行变调。所以,他又原路返回滨松,回到画图板上。接着,他又带着下一版风琴再次前往,如此来回,也有数次。本来依靠强有力的宪法就能做到这些事,但在那些日子,就得你亲力亲为。他带着风琴到了东京音乐学校,也就是今天的东京艺术大学,获得了他们的批准。 1889年,他以合伙的方式建立了自己的小型风琴工厂。然后,他花了五年时间到美国调研,去了所有的钢琴制造厂,尽可能广泛地进行学习。他也购买了一些木材和机器。当他回到日本时,一切才真正走上正轨。1890年,他在滨松建立了Yamaha的总部,那里有许多充满抱负的年轻人在工作。这就是最初起源的概况。 Yamaha是什么时候开始制造原声钢琴的? 第一架原声钢琴大概是在1900年左右完成的。我想我们应该是从立式钢琴开始的。1902年,才有了第一架Yamaha三角钢琴。1904年,Yamaha的钢琴和风琴双双获得了圣路易斯世界博览会的嘉奖,这时,我们才明确知道自己已经步入正轨了。 当Yamaha带着第一台钢琴亮相时,不得不挑战已有的制造商,那么最初的市场和竞争情况是怎么样的呢? 所以说世界博览会的奖项对我们来说非常重要。这给Yamaha带来了一定的声望,但市场方面,主要还是着眼于日本本土。直到1959年,我们才开始建立海外的分部。第一站是墨西哥。1960年,在美国建立了第二站。这里有一个关于Koichi Kawai的趣闻。当Yamaha在1899年结束美国调研之旅回来时,一直担任公司的主席,并辛勤地工作着。接下来的一年里,他挑选了一些有能力的年轻人,将工艺和生产线的重任交给他们。这些年轻人中,有一个叫Koichi Kawai,他11岁的时候来到Yamaha风琴工厂当学徒。当1926年劳务合约破裂时,Kawai离开了公司,建立了Kawai乐器研究实验室,后来发展成为今天的Kawai公司。他是在1927年与七个同事一起离开的。 是怎么进入架子鼓市场的?很多优秀的鼓手都在使用Yamaha的架子鼓。 实际上,算起来有一阵子了。1960年代早期,他到大阪与同事们一起工作,在那里建立了我们的大型架子鼓公司。事实上,这些年我们一直辗转建立了不少的机构。1942年,我们制造了第一把原声吉他。1954年,我们开始研发家用hi-fi设备。同年,我们还开始了摩托车事业。1959年,我们研发了电子风琴。 最初的Yamaha是乐器公司,那么乐器设计上的理念是如何影响公司进入其他领域的,比如摩托车和机动船? 因为我们在做一些冶金方面的工作——这为第一台摩托车的制造提供了技术支持。我们必须得做金属和木材方面的工作。特别在当时,就算是在今天,你也不能到当地的制造商那里,说你想买长笛的模具,或者那些我们生产过程中常用到的东西。事实上,这也是我们掌握日本国内业务的原因,也是制造生产机器的初衷。因为我们必须得精通这些,因为我们不得不自己制造几乎所有的生产机器。这就是摩托车的由来。我们有不错的冶金技术,有人就提议,来试着做辆摩托车吧! 当然,真正让我们开始做冶金的是钢琴框架的倒模。公司的基本理念和做决定的方式是,以音乐公司为核心,不断向我们擅长的领域延伸。我们在硅谷拥有工厂,建立初期,一切进展顺利,当竞争变得激烈时,我们就撤回了。同样的事情也发生在手机铃声领域——我们拥有合成能力,所以我们很早就进入了铃声领域,一直停留到我们认为可以撤出的时候。同样,还有运动商品;我们仍然在日本国内拥有这些业务。机动船是源于摩托车那边的。我们甚至制造过高尔夫球车。 Yamaha曾经也制造过汽车? 是的,我相信我们做过。我想那大概是价值百万美元的东西吧!它是顶级的概念车。我们从未生产过日常使用的汽车,但我们的产品有用在别的汽车上。我2010年买的Volvo就配备了Yamaha的发动机。我们为Lexus做了所有的木质内饰。原因就是我们对于木质工艺有很深的研究,可以做出优异的作品。这些由来已久,从制造三角钢琴时就一直延续了下来。 在顶级三角钢琴中,Yamaha是如何区别于其他品牌的? 我认为我们的故事应该是这样的:不断创新,不断吸收来自市场的反馈意见,不断地调查和研发。新的CFX——我知道你演奏过——我们花了十九年在对其水准进行设计。我们工厂中的年轻人会像音乐人那样去思考,很多本身也是音乐人。他们一直在寻找心目中的“圣杯”。号角吹奏者总在寻找完美的乐器吹口或背带。作为键盘手,你会想要最好的采样、键盘触感等。 完成它的过程里,最大的挑战是什么? 技术只能带你到达有限的境地——有时候,你需要配合你的愿景。这是真理,即使是乐器制造也需要融合技术和工艺,比如三角钢琴。 技术如今带我们到达了另一个高度,我们可以制造出像CFX这样的原声钢琴。人们总是说,我们的钢琴比别的品牌更经久耐用。因为你并不是跟初学者一起工作,而是那些知道你在说什么,并想要将钢琴变为他们身心延展产物的人——这是我们不断追求的。 我认为Yamaha故事中最重要的部分就是一致性。无论我在哪里的录音室弹奏C7,我都知道我会得到什么样的结果。 一致性,我们觉得是特别重要的。我们想要设立最高的质量标准,只有这样,才可以一个接一个地进行复制。我们没有经历“灰暗时期”或者类似的事情。演唱会乐手的水准能够专业地演奏CFX,他们可以察觉到其中的细节,因此能讲出自己更喜欢某个产品的原因。如果只存在一点偏差,那么一致性就还不错,人们不会察觉。事实上,我们认为,当你谈到性能方面,一致性就更重要了。你想要初学者能弹奏性能不错的原声吉他。你想要他们能够吹奏音调准确的长号或小号。这会让你更容易学习,训练出更好的耳朵。所有这些都是息息相关的。在我们制造的不同乐器中,一致性都是倍受重视的。 能给我们讲讲Yamaha进入家用风琴市场的故事吗?我最早接触的电子键盘就包含了Yamaha电子琴中的自动伴奏和类似合成器的功能。 我们在1932年完成了第一台管风琴。那时候,制造管风琴是一件大事——至少对我们来讲是。它叫做Magnum Organ。当然,公司是从风琴制造起步,然后逐渐壮大起来的。 因为要做家用风琴,所以在1959年,我们进入了半导体行业。最初的电子风琴型号是D1,全部使用的是分立式晶体管。但晶体管对湿度的敏感性引起了一些用户的抱怨。所以技术小组将精力集中到因半导体兴起的集成电路上,并引入到电子琴中。这样极大地减少了失败率。在1969年,我们决定引入半导体的制造。随后,它开始迅速发展,并出现了第一架使用FM合成的电子琴——它就是1981年的F70。半导体技术对声音生成的研究有开创性的提升,比如合成器的FM和AWM(高级声波记忆,比如采样)。所以,回想起来,我们为了解决电子琴晶体管的问题使用了半导体,随后将其引入自行生产,最终引领我们做出了新的合成器类型。 可以讲讲FM合成器吗?Yamaha在什么时候看到John Chowning将FM应用到音乐上,并说,“这就是未来”? 我知道现在的日本主席当时也在公司工作,这些事发生在斯坦福。在某个时间点,他说,我们有很多围绕是否生产,是否能成功的讨论。最终,我们决定生产出来,因此也载入了历史。 说实话,1980年代中期的DX系列合成器能为你创造出打击乐、原声乐器和钟铃声一类的音色,这是那个时期模拟合成器无法做到的。实际上,当时没有任何便携的设备能做到。 绝对的——这就是我存了两个夏天的钱买DX7的原因!好的,软件合成器和小型计算机平台,比如iPad,较以往来说越发强大,特别是在录音方面,Yamaha Motif系列也许还是最成功的集成键盘工作站。你对硬件键盘工作站的未来有什么展望? 好问题。我认为这个展望应该跟原声钢琴类似。数字钢琴比以前更好了,在大多数音乐诉求中,都能完全让人信服。我们应该知道——我们制造了它们!但原声钢琴一直有它存在的理由。类似地,至少在较长的一段时间里,高质量的合成器工作站还是占有一席之地,能为消费者提供“一站式”的服务。我们看到,那些更高端的工作站在市场份额上有所下滑——我们并不像以往那样进行销售了——但我们会研发新的版本,提供更多功能以及能赚钱的声音,这会让它们变得不同。 我们即将推出新的MOFX系列,我认为人们会想要购买;有一群人从一开始就有购买的想法,他们一直跟随着我们——他们了解我们的操作系统,知道如何让机器做出他们想要的东西。硬件合成器工作站在20年内还会活跃吗?我也不知道。不过在可预知的未来,音乐人还是会需要它们的。毫无疑问,我们会为下一代继续努力工作的。 扩展阅读:Yamaha 125周年之里程碑乐器 1887: Torakusu Yamaha带着他的簧风琴前往东京 跟许多家喻户晓的名字一样,Yamaha也得名于一个人。作为武士的后代,年轻而具有机械天赋的Torakusu Yamaha在日本滨松从事医疗设备的维修。1887年,他帮助一所小学维修了一架损坏的簧风琴(美国造)。在那之后不久,他受到启发,想要自己动手制造。为了获得官方对其在教育领域应用的批准,他扛着模型翻越了富士山——大概150里路的旅程。 跟所有的客户一样,他们想要做一些改变,所以他又原路返回,制造下一个版本。现在,Yamaha乐器在学校乐团拥有声望——还不用说那些我们非常依赖的原声和数字钢琴以及合成器——表明,这些长途跋涉并不是徒劳。你一定看过无数DX7和Motif的图片,这里我们会为你介绍一些不为人知的Yamaha乐器。 1887: Yamaha的第一架簧风琴 这是Yamaha先生第二次从滨松前往东京时所带去的版本,也是获得日本官方批准的版本!在Yamaha位于加州普安那公园的美国总部,有可以弹奏的复制版。 1900: Yamaha立式钢琴 Yamaha第一架华丽的立式原声钢琴。 1902: Yamaha第一架三角钢琴 Yamaha的第一架三角钢琴。 1959: Yamaha Electone D1风琴 在1930年间,Yamaha制造了教堂管风琴,但最早进入家用风琴市场的是这台Electone D1。它使用了分立式晶体管产生音调,但后来转向的模拟集成电路芯片在不同的温度和湿 度状况下有更好的音调稳定性。 1976: Yamaha CS-80合成器   迄今为止,最让人垂涎和有气质的模拟合成器。CS-80具有半配重的触感,复音触后响应,以及双信号路径——相当于整合了两个独立,可层叠的合成器。Vangelis的原声带《Blade...

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